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Le destin des animaux (Franz Marc)

A partir de 1910, Marc adopta les animaux comme sujet artistique unique, un reflet de sa désillusion avec le matérialisme, qui, selon lui, s'appropriait de l'humanité. Marc croyait que les animaux , avec son instinct de vie saine,réveillaient tout ce qu'il avait de bienveillant chez lui. Avec le tableau Le destin des animaux, de pratiquemment 2.70 m de hauteur, le peintre représente la destruction du monde qu'il apprécie tant. On voit des cerfs, des chevaux, et des renards plongés dans une catastrophe, la nature se retourne contre elle même. Derrière, le peintre avait écrit: " et toute l'existence est un tourment ardent"
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Les âges de la femme (Klimt)

Peintre autrichien, représentant du mouvement moderniste, Klimt trouva dans les femmes nues sa plus grande source d’inspiration. Il nous transmet la sensualité avec des symboles freudiens,des formes géométriques et rondes, des dorés, des ornements. L’image de La Maternité (1905) est émouvante et avec cette représentation, il veut toucher le coeur de la société viennoise de l’époque, si puritaine.
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293 (Vassily Kandisky)

Vassily Kandisky(1866-1944) est un artiste d'origine russe, qui prit d'abord la nationalité allemande et finalement la française.Formé dans l'expressionisme,il cultiva l'abstraction à partir de 1910.Sur ce chef d'oeuvre,grâce aux lignes, aux couleurs et à l'imagination, il représente la nature dans sa capacité créative.Ce mouvement artistique a eu beaucoup d'influence sur d'autres mouvements abstraits et sur Miro entre autres artistes.
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Arearea (Gauguin)

Arearea (1892), connue aussi sous le nom Le chien rouge, est une des oeuvres les plus connues du peintre impresionniste Paul Gauguin. Il le réalisat pendant ses premiers séjours à Tahití y son titre signifie divertissement, en tahitien. La composition et le colori son característiques des oeuvres du peintre, ils essaient de nous suggérer des sensations en cherchant toujours le primitif et y la pureré espirituelle.
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Bal au Moulin Rouge (Toulouse Lautrec)

C'est un des plus grands tableaux peints par Toulouse Lautrec. Il représente le Moulin Rouge, le plus célèbre temple de loisir de Paris. Le peintre représente plusieurs personnages qui interagissent au bar, discutent et observentles danseuses. Il place les personnages sur différents plans,et guide nos yeux vers ceux qui sont au fond, grâce à une disposition adroite des différents éléments sur la toile.
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Boulevard Montmartre (Pissarro)

Sur ce tableau, Pissarro représente le boulevard qu'il avais déjà peint à différents moments, au coucher du soleil, un matin d'hiver et avec un temps plombé.Les lampes à gaz illuminent les rues et les lumières des commerces créent de beaux reflets jaunes sur le trottoir et la chaussée. Les promeneurs disparaissent alors que les carrosses stationnées allument leurs phares. Les bâtiments sont entourés d'un hale mauve typique de l'impressionisme et crée un jeu de contrastes avec le jaune des lampes. Le coup de pinceau employé par le peintre est rapide, sans préoccupation pour le dessin, et on peut d'ailleurs observer de nombreuses taches.Avec ce tableau qui finit sa série sur Montmarte, Pissarro montre que les effets de lumière et ambiants sont sa préoccupation principale, se situant ainsi au même niveau que Monet.
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Bouteilles et couteau (Juan Gris)

Selon Picasso et Georges Braque, Gris es un des principaux représentants du cubisme. Son mérite est dû à son passage du cubisme analytique au synthétique, en incorporant les nouveaux principes constitutifs dans un système rationnel. Bouteilles et couteau (1912) est une nature morte typiquement cubiste. Les objets représentés, les bouteilles, l’assiette, le couteau et la superficie sur laquelle ils se trouvent, sont disposés verticalement et horizontalement avec une légère perspective tridimensionnellle.
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Collage (Toulouse Lautrec)

Pour Toulouse Lautrec, peintre neo impressioniste français, les scènes du monde nocturne et les portraits presque caricaturals des personnages de la nuit sont ses sujets favoris. Quand on parle de Toulouse Lautrec, on pense Montmartre, quartier avec une certaine réputation de bohémie et criminalité, qui finira par se transformer en lieu de rencontre des artistes de tout type. Toulouse Lautrec vivait dans ce quartier depuis 1884,où se trouvaient les temples de la nuit : "Moulin de la galette", le "Mirliton", "le chat noir", le "moulin rouge", les "folies Bergère", le "cirque Fernando", le "salon de la rue des moulins", que nous retrouvons dans de nombreuses représentations de l'artiste.
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Collage de Klimt (Klimt)

L'application des couleurs dorées si décoratives, l'ornement des vêtements et les détails floraux sont caractéristiques de ce peintre et coincide avec l'Art Nouveau de l'époque. Malgré que Klimt ait des oeuvres au sujet très varié, son thème préféré a toujours été la séxualité féminine. Il a représenté la femme sous tous ses aspects et toujours avec ses formes décoratives particulières qui nous permettent de reconnaître ses oeuvres facilement.
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Crique le Pouldu (Gauguin)

La Crique Le Pouldu (1889) est une oeuvre qui fait partie de la période bretonne de Gauguin. C'est une peinture à l'huile des plages de la zone.
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Danae (Klimt)

Danae (1907) es une des oeuvres les plus célèbres de Klimt, inspirée par la mythologie grecque. Danae est la fille d’Acrisio, roi d’Argos. Klimt nous représente la Jeune Fille entourée d’étoffes qui encadrent sa silhouette. Les formes rondes (caractéristiques du modernisme) et la couleur dorée augmentent la sensualité de l’ensemble, transformant le nu en élément décoratif.
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Danseuse verte (Degas)

Degas nous introduit avec cette peinture de 1877-1879, dans le monde du ballet, qui l'a tellement interéssé pendant une longue période de sa vie. Une vue de la scène, avec plusieurs danseuses en pleine représentation, est saisie d'une des loges latérales en haut. On ne voit qu'une seule danseuse de corps entier, pivotant rapidement. Les autres danseuses sont coupées et on imagine le reste de la scène. Devant les décors du paysage, plusieurs danseuses de couleur orange attendent leur tour. La fugacité de l'action est saisie grâce aux traits rapides de la technique de peinture utilisée, que le peintre applique avec une grande virtuosité.
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Des arbres bleus (Gauguin)

Pendant l'automne de 1888, Gauguin cherche son propre style qui lui permette de définir son esprit et sa personnalité, en testant différents chemins. Dans cette oeuvre, le paysage essaye de refléter l'état d'esprit du peintre, spécialement, par les couleurs employées, couleurs vives à base de mauves, roses, verts, et jaunes qui démontrent que l'artiste se retrouve et se sent très bien à Pont-Aven. Le style qui caractérise l'étape bretonne de Gauguin est à même d'apparaître, abandonnant l'impressionisme.
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Des fleurs au vent (John Waterhouse)

John Waterhouse a peint une série de tableaux représentant des femmes à la campagne anglaise,balayées par le vent. Comme pour beaucoup de ses oeuvres, ici aussi, il s'est inspiré de Ophelia, le personnage de l'oeuvre Hamlet de William Shaskepeare. Les couleurs claires et brillantes montrent l'influence de l'impressionisme dans cette étape du peintre.
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Des nymphéas (Monet)

Des Nymphéas. Un nouveau tableau sur ces plantes, qui appartient au cycle de peintures que l'artiste avait commencé vers la fin de sa vie.Il passait des heures dans le jardín de sa maison , en observant et dessinant le pont japonais qu'il avait fait construire sur l'étang. Les nénuphares remplissaient l'étang et les saules égayaient ses bords. Cette nature a été pour Monet sa principale source d'inspiration et centre de production.
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Elenita a la plage (Sorolla)

Sorolla, le peintre de la couleur et de la lumière de sa terre natale, Valencia,se déplaça durant trois étés du début du XX siècle,en Asturies, dans la région du Bajo Nalón, cherchant probablement d'autres nuances pour ses tableaux. A cette époque, il parcourut toute la contrée et peignit des tableaux non seulement sur la mer et la côte, mais aussi des paysages, et les travaux des champs de l'intérieur de la région. Un de ses lieux favoris était la plage de los Quebrantos, à San Juan de Arena. Ce tableau de 1903 est une représentation d'un coin de cette plage, avec sa fille Elenita, en premier plan, accroupie sur les rochers. Cette marine nous présente une mer moutonnée, dont les vagues choquent contre les récifs, en utilisant différentes couleurs, ocres et gris pour les rochers, et les combinant avec les bleus de la mer et du ciel; de cette façon, il arrive à reproduire avec une grande maîtrise,la beauté agrestre de ce paysage si différent à ce qu'il était habitué.
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Femme avec chapeau et boa (Klimt)

Avec ce tableau de 1909, Klimt abandonne les dorés et les formes géométriques qui l'ont fait célèbre, et fait recours à des ornements plus sobres. On ne voit qu'une seule partie du visage, et elle parait beaucoup plus réelle que les protagonistes de ses autres tableaux. C'est le portrait d'une femme absente, qui n'émane ni sensualité , ni erotisme. C'est la période pendant laquelle il était influencé par le mouvement fauvisme et Toulouse Lautrec.
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Femme avec ombrelle (Monet)

En 1886, Monet peint deux études en grand format, en plein air. La forte lumiminosité solaire accentue les coloris des fleurs et de l'herbe du sol. Le coup de pinceau de Monet est rapide et organise la composition comme si c'était un puzzle. Ces peintures ( son homonyme es Femme avec ombrelle de profil) seront les dernières de gran format que réalisera le peintre avec des silhouettes entières.
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Filles sur le pont (Munch)

Les Jeunes Filles sur le Pont (1901) est une composition coloriste avec trois jeunes filles sur un pont regardant un ruisseau dans une petite ville. Les couleurs vives des robes sont très attrayantes, ainsi que le contraste entre le ciel clair et les ombres des toits et des arbres. Les lignes sinueuses, parfois vertigineuses de Munch, recréent une certaine ambience d’angoissse et d’anxiété. Les jeunes filles ne parlent pas, ne se communiquent pas, elles observent tout simplemente en silence , et réfléchissent sur le sens de l’existence , ou sur les contradictions de la vie, ou sur la solitude.
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Forêt Boyarka (Bogomazov)

Alexander o Oleksandr Bogomasov , né le 7 avril 1880 à Yampil, fut un peintre ucranien, un théorique connu et moderne de l'art russe avant-garde.En 1914, Alexander écrivait son traité l'Art de la Peinture et des éléments, oú il analysait l'interaction entre les objets, l'artiste, l'image et le spectateur et établissait las bases théoriques de l'art moderne. Pendant sa vie artistique, Bogomasov a maîtrisé plusieurs styles d'art.Les plus connus sont cubo-futurisme (1913-1917), auquel appartient le Bois Boyarca, et le spectralisme (1920-1930).
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Improvisation 7 (Vassily Kandisky)

On ne peut pas obvier l'influence de la musique dans les oeuvres de ce peintre ( ses parents jouaient du piano et de la cithare et lui même jouait du piano), surtout dans les dénommées "Improvisations”, “Impressions” y “Compositions”.Il est considéré le fondateur de l'école abstraite et il explore ses propres idées de la peinture en appliquant des couleurs et des lignes, avec ryhtme et sentiment,en créant ainsi des oeuvres de couleurs vives et harmonieuses.
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Iris (Monet)

Les tableaux peints par Monet au vingtième siècle souffrent un processus de disparition de la forme de plus en plus prononcé, comme on peut apprecier sur cette peinture de 1917. La couleur s'appropie de la composition, les lignes et les contours disparaissent dans un rappprochement vers la peinture abstraite. Monet s'intéresse seulement aux sensations et aux atmosphères, il crée des images inoubliables pleines de couleur.Les mauves affleurent dans cette scène, grâce aux tons appliqués avec des coups de pinceau rapides et précis.
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Iris 2 (Monet)

Dans les oeuvres de la fin de sa vie, l'aspect est clairement moderne,il laissait quelques superficies de la toile sans achever, cherchant de nouveaux moyens d'expression.Malgré que le sujet d'intérêt, les iris, est le même que d'autres peintures de la même période, sur ce tableau, les moyens artistiques surpassent les approchements précédents.Si avant le naturalisme était protagoniste, avec une représentation plus ou moins fidèle des fleurs, là, on observe tout le contraire. Monet opte pour une interprétation libre, personnelle, des iris grâce une finition étriquée des lignes, qui se confondent avec le fond.
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Jardin des fleurs (Klimt)

Jardin des Fleurs est peint entre 1905 et 1907, et comme la plupart des paysages de Klimt, il est réalisé pendant un de ses séjours estivales au bord de l'Attersee, dans la région de Salzbourg. Mais, au contraire que d'autres tableaux oú il représente des vues authentiques, cette toile contient seulement des fleurs qui la comblent de couleur. Marguerites, coquelicots, asters, fleurs des champs, etc. qui se disputent notre attention, en occupant entièrement l'espace artistique sans horizon. Une toile pleine de fleurs et de couleurs oú les fleurs blanches se détachent clairement du reste, grâce a son placement en colonne verticale, pratiquement au centre du tableau.
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L'amandier en fleurs (Van Gogh)

L'amandier en fleurs, connu aussi comme l'Amandier, représente ce que Van Gogh pensait de la Renaissance. Les arbres en fleurs annoncent le début du printemps et d'une nouvelle vie.C'était un cadeau pour la naissance de son neveu. Il peint une composition bien différente à ses études anterieures. Au lieu de peindre une nature morte, comme des fleurs dans un vase, il dessine des branches blanches sur un ciel bleu. On peut apprecier à nouveau l'influence japonaise.
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L'arbre de la vie (Klimt)

En 1904,le belge Adolphe Stocklet fait construire une mansion par l'architecte Hoffman, et celui ci demande à Klimt la décoration de la salle de séjour, par un mosaïque de grandes dimensions, composé par trois panneaux. Les deux panneaux principaux repètent le même dessin, l'Arbre de la Vie. Sur le pan droit, La Satisfaction, ou l'Embrassade, un homme et une femme embrassés. On ne voit que le dos de l'homme, habillé avec un kimono et la femme est pratiquemment cachée par l'homme, qui s'appuie sur son épaule.On ne distingue que sa figure et ses mains qui entourent l'homme. Tout l'ensemble, plein de spirales, d'arabesques, de dorés, de triangles invertis...
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L'embrassade (Klimt)

L'étang des nénuphars (Monet)

L'étang des Nénuphars (1899). C'est un cycle de peintures que le peintre commença vers la fin de sa vie.Il passait des heures dans son jardin, observant et dessinant le pont japonais qu'il avait fait construire sur l'étang. Les nénuphars remplissaient l'étang et les saules égayaient le bord de l'eau; toute cette nature débordante fut pour Monet sa principale inspiration.
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l'été (Alfons Mucha)

"Les quatre saisons", qui ont été employées comme panneaux décoratifs, est une des oeuvres les plus connues du peintre. On observe une différence de tonalité entre les quatre saisons, les différents aspects des champs à chaque époque, représentés avec ses dessins caractéristiques, autant de la nature comme de ses femmes. De belles femmes avec des visages angéliques, vêtues comme des déesses avec de nombreux ornements, entourées de motifs fleuris et gais qui équilibrent la composition, tout très minutieusement représenté.
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L'hiver (Alfons Mucha)

L'hiver à Montfoucault (Pissarro)

Camille Pissarro est un des "pères" de l'impressionisme, son oeuvre principale est basée sur la vie rurale en France, en particulier les paysages et les paysans que travaillent la terre. Il est aussi célèbre pour ses oeuvres sur Montmartre, Le Louvre et Les Tuileries. Ce tableau date de l'automne 1874, quand il s'installe â Montfoulcault, invité par son ami Ludovic Piette.
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L'île de la Grande Jatte (Georges Seurat)

Tableau peint entre 1884 et 1885, à l’île de Jatte, sur La Seine, entre Neuilly et Courbevoie. Cette peinture décrit un dimanche après-midi. Avec une technique pointilliste, le peintre établit des différences de plans, en distribuant deux zones d’ombres et de lumière, et en même temps, il maintient la même intensité chromatique de l’ensemble.
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L'île de la Grande Jatte II (Georges Seurat)

La baie de Tago (Katsushika Hokusai)

Katsushika Hokusai appartient à l'école japonaise ukiyo-e et il changea de nom chaque fois qu'il changea de style artistique. La baie de Tago fait partie d'une série de 36 peintures dénommée "36 vues du Mont Fuji" que le peintre réalisa après ses 60 ans,dans lesquelles le Mont Fuji est le principal élément spirituel .
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La barque bleue (Monet)

Nous pouvons admirer ce tableau au Musée Marmotan de Paris. Monet utilise des couleurs pures, qu'il mélange directement sur la toile. Les couleurs sont vives, claires, et les ombres ne sont pas noires, mais coloriées.Les contours des corps et des visages forment les limites des différentes couleurs,ombres et lumières. Dans ce cas, Monet traite les personnages comme partie du paysage,sans montrer un intérêt spécial pour eux. La couleur prédominante est le bleu; l'eau, la barque et les robes des demoiselles sont en harmonie parfaite. Ce tableau est un ensemble qui transmet paix et tranquilité, les personnages font partie de la nature, trait prédominant à l'école impressioniste.
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La chambre d' Arles (Van Gogh)

Van Gogh réalisa 3 tableaux presque identiques sur le même sujet. Le premier, peint en octobre 1888, a disparu dans une inondation. Presque un an après, il fit deux autres copies. Il les peignit avant l'arrivée de son ami Paul Gauguin.Grâce à la diversité des couleurs et les lignes droites, il essaye de nous transmettre tranquilité et austérité. Une fois de plus,on peut noter l'influence japonaise et nous retrouvons ses couleurs favories.
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La chapellerie (August Macke)

August Macke, peintre allemand expresionniste, ami de Franz Marc, a peint "la Chapellerie" en 1914. Sa peinture est l'exemple le plus clair d'un mèlange d'influences artistiques : l'impressionisme, le fauvisme, le futurisme et le cubisme. Il décompose la lumière en plans gèométriques coloriés, composant une construction harmonique. Inspiré par des thèmes banals quotidiens, il utilise les couleurs de façon harmonieuse et symbolique, et nous transmet tranquilité, poésie et joie. Des femmes se promenant devant des vitrines, de chapeaux en particulier, est un sujet que nous allons retrouver dans plusieurs oeuvres du peintre.
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La classe de danse (Degas)

Dans cette représentation de 1872, Degas recommence à être intéressé par les répétitions de ballet. Maintenant, il a changé de salle, il a choisi la plus grande et luxueuse du Théatre de l'Opéra. Il organise la scène comme un grand cercle vide au milieu de l'espace central. Autour, il place les différentes figurines, équilibrant de cette façon parfaitement l'espace grâce aux tonalités blanches des costumes. La sensation de profondeur se fait sentir grâce aux différentes glaces et portes ouvertes , il joue avec la réalité et l'illusion. La sensation de mouvement est réussie par les danseuses du fond.
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La fille avec un chat (Franz Marc)

Franz Marc est un des plus importants représentants du mouvement expressioniste allemand. Habituellement, il représente des animaux. Ses oeuvres se caractérisent par ses couleurs primaires, ses formes cubiques, la simplification formelle et chromatique des choses, de la nature et des animaux. Autant Marc comme Kandiski ont développé leurs propres théories sur la couleur et tous les deux ont donné una grande importance à l’aspect intellectuel de l’art.
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la fille italienne (Sorolla)

Sorolla, le peintre de la lumière et de la couleur de sa terre, Valencia, s'installa pendant 3 étés au début du XXº siècle, en Asturies, dans la contrée du Bas Nalon, cherchant probablement d'autres nuances pour ses tableaux. A cette époque, il parcoure toute la región et peint des tableaux no seulement sur la mer et la côte, mais aussi des paysages , des travaux des champs et les us. Un de ses lieux favoris était la plage des Quebrantos,à San Juan de Arenas. Ce tableau de 1903, est une représentation d'un coin de cette plage, avec sa fille Elenita, en premier plan, accroupie sur les rochers. Cette marine présente une mer moutonnée oú les vagues frappent contre les récifs, en utilisant différentes couleurs ocres et grises`pour les rochers, et les combinant avec les bleus de la mer et du ciel. Il reproduit ainsi avec grande maitrise,la beauté agrestre d'un paysage si différent a ce qu'il était habitué.
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La Fuensanta (Julio Romero de Torres)

La Fuensanta est une oeuvre réalisée par le peintre cordouan Julio Romero de Torres en 1929. Pour ce tableau, María Teresa López, voisine de l’artiste, a posé comme mannequin. Il nous montre à la jeune fille assise de côté, avec le regard fixé directement sur le spectateur. Ce regard est si intense qu’il réussit à eclipser l’éclat de la cruche métallique malgré sa représentation si détaillé. La jeune fille s’est assise pour se reposer, et elle appuie les bras sur la cruche dans une attitude relax. Ce tableau fut exposé en 1929 à Séville, durant l’exposition Ibéroaméricaine, et depuis on avait perdu sa trace. On ne conservait qu’une photographie en blanc et noir, utilisée pour la reproduction du cadre sur les billets de 100 pesetas en circulation entre les années 1955 et 1978. En 2007, il réapparut dans une vente aux enchères à Londres (un citoyen argentin le vendait..) et fut vendu a un collectionneur anonyme pour près de 1.200.000 euros.
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La grande vague (Katsushika Hokusai)

C'est une des images les plus connues du peintre japonais Katsushika Hokusai, de l'école Ukiyo-e, entre 1830 et 1833,pendant la période Edo de l'histoire du Japon. Au cours du XVII siècle, nait le mouvement Ukiyo-e, qui dévoile la vie et les interêts des couches sociales les plus défavorisées de la société japonaise. Les oeuvres ukiyo-e sont uniques, peintes au pinceau directement sur soie ou papier. Ensuite, le graveur façonnait ,en relief, les lignes du dessin, sur une planche en bois, normalement de cerisier.En général, ils utilisaient une planche pour chaque couleur.L'impression se faisait en frottant un instrument appelé Baren,sur le dos des feuilles.
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La jeune fille à la perle (Vermeer)

La Jeune Fille de la perle, connue aussi comme La Monalisa hollandaise, est un des chefs d'oeuvres du peintre hollandais Johannes Vermeer, et comme le nom indique, des boucles d'oreilles avec une perle sont le focus du tableau. Cette peinture, très détériorée, fut magistralement restaurée en 1994,soulignant le regard de la jeune fille fixé sur le spectateur, et le contraste entre le fond du tableau et la jeune fille. Apparemment, ce n'est pas un portrait, mais un "troni", nom donné en Hollande aux effigies décoratives. On peut l'admirer au musée Mauritshuis de La Haya.
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La lisière de la forêt (Paul Ranson)

Paul Ranson est un peintre français,qui crea y fut leader du mouvement post impressioniste Nabis. Il a développé un style original, avec des résonnances simplistes et ésotériques. La lisière du bois est une oeuvre aux couleurs vives et grandes qualités décoratives, oú les arbres sont très stylisés, comme si ils posaient rythmiquement.
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La Maison Jaune (Van Gogh)

La maison Jaune, connue aussi sous le nom de La maison d’ Arles, fut réalisée par Van Gogh, au cours de l’année 1888, pendant son séjour dans le sud de la France à Arles. Il avait loué cette maison para vivre et pour inviter ses amis peintres, entre autres, Paul Gauguin qui s’installa avec lui. Ils vécurent des moments créateurs mais aussi de nombreuses disputes même violentes, dont l’une est la fameuse scène de l’automutilation de l’oreille de Vincent Van Gogh. Dans ce chef d’oeuvre, nous retrouvons ses couleurs favories, le bleu et le jaune intenses, sa tecnique habituelle para transmettre ses sensations et ses états d’âme.
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La nuit étoilée (Van Gogh)

La Nuit Etoilée (1889) est une des oeuvres les plus plaisantes de Van Gogh, sur laquelle on apprécie la force de la nature. Il l'a peint pendant qu'il était interne à Saint Rémy. Il faut souligner la manière de traiter la lumière des étoiles : un trait à base de spirales qui dominent le ciel et les ciprès en premier plan. Au fond, le village. Une fois encore, les couleurs préférées du peintre, le jaune, le mauve et le bleu.
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La sieste (Van Gogh)

Ce tableau neo-impressioniste de 1890, fait partie d'une série d'oeuvres inspirées du peintre Millet que Van gogh réinvente. Le couple dort paisiblement à l'ombre d'un tas de paille, épuisés après le dur travail de la journée. A côté, nous contemplons les faux et les souliers de l'homme, et au fond, dans une zone d'ombre, une charette avec un boeuf. Van Gogh s'occuppe de refléter dans cette représentation , l'étude de la lumière et de l'ombre. La zone du premier plan acquiert un ton différent par rapport au jaune vif du second plan; les bleus et les mauves complétent la composition, en créant une symphonie de couleurs attirante.
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La terrasse du café (Van Gogh)

Réalisée à Arles en 1888, cette oeuvre exprime ses impressions sur le sud de la France. C'est le premier tableau où le peintre utilise un ciel étoilé. Les couleurs qui plaisent tellement à Van Gogh, le bleu et le jaune, remplissent la composition. Le peintre sent une forte attraction pour la lumière de la nuit et il fusionne parfaitement la naturelle (les étoiles) avec l'artificielle (les réverbères). Il nous montre avec détail la terrasse, en employant un coup de pinceau ample, sans apporter de précision mais sans oublier aucun détail.
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Lac d'Annecy (Cezanne)

Entre 1896 et 1960, se déroulera la période lyrique de Cézanne, pendant laquelle les couleurs et les formes prennent une grande importance. Le bleu s'approprie complètement de la composition, rayonnant de l'eau vers tout ce qui l'entoure, des montagnes jusqu'aux arbres. Les lignes sont pures, elles créent des volumes parfaits comme on peut apprécier avec les maisons ou avec l'arbre en gros plan. Les lumières intéressent aussi le peintre, ressortissant les reflets blancs du lac et les ombres colorées des montagnes. On peut affirmer que les notes impressionistes sont présentes mais d'une façon très personnelle,avec un concept très particulier du peintre.
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Le baiser (Klimt)

Le baiser (1907-1908) est probablement l'oeuvre la plus célèbre de Klimt, peintre allemand. L'application des couleurs dorées tant décoratives, l'ornement des vêtements ou les détails floraux utilisés dans le baiser sont caractéristiques de cet auteur et coincident avec l'Art Nouveau de l'époque.A savoir, Le baiser est au zénit de son "époque dorée". Même si Klimt a réalisé des oeuvres de thèmes très variés, son préféré a toujours été la séxualité féménine. Il a représenté la femme sous toutes ses facettes, et toujours avec ses formes décoratives caractéristiques qui permettent d'identifier facilement ses tableaux.Dans l'oeuvre du Baiser, on peut observer toute cette sensualité: un baiser, un câlin, et les yeux fermés de la femme qui vit intensément le moment.Exprimé de façon figurative, puisqu'elle représente des images réelles bien que déformées.
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Le cri (Munch)

Le Cri (1893) est le titre d’une peinture à l’huile et aux pastels de Edvard Munch. C’est une composition qui appartient au domaine de l’art figuratif. Toutes les versions du Cri montrent une figure androgyne en premier plan, qui symboliserait un homme moderne pendant une crise d’angoisse profonde et de désespération existentielle. Le paysage du fond représente Oslo. Sur cette toile, tout tourne autour de l’expression: le dessin, la couleur, la composition. Le Cri est une des oeuvres les plus importantes de l’auteur et du mouvement expressioniste.
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Le déjeuner des canotiers (Renoir)

Renoir représente sur ce tableau de 1881, un groupe d'amis et de clients, réunis sur la terrasse de La Maison Fournaise, sur la Seine, á Chatou. La scène est similaire à celle que nous retrouvons au Moulin de la Galette, oú domine une atmosphère joyeuse et populaire. Sur ce tableau, on peut voir très nettement les personnages,un trait qui nous éloigne de l'impressionisme typique,et prédomine la lumière qui penètre par la grande ouverture du balcon.
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Le foyer de la danse à l'Opéra (Degas)

Depuis début 1870 et jusqu’à son décès, les danseuses pendant les répétitions ou en repos, deviennent le sujet préféré de Degas, avec de nombreuses et d’infatigables variations de poses et de gestes. Degas a observé avec soin les gestes les plus spontanés, anodins, naturels, les moments de pose, quand la concentration se relâche et le corp se détend, après l’effort d’un apprentissage exténuant et d’une rigueur implacable.Le point de vue un peu en chute, centré sur la diagonal du scenario, accentue la perspective lointaine du parquet.
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Le jardin des délices (El Bosco)

Le Jardin des délices est une des oeuvres les plus connues de El Bosco, peintre hollandais. C'est un triptique peint à l'huile, au contenu symbolique, avec une intention moralisatrice et satirique. Elle est considérée coome une des oeuvres les plus fascinantes, mistérieuses et attirantes de l'histoire de l'art. Le Jardin des Délices, réellement le panneau central, représente un faux paradis oú l'humanité a succombé au péché, spécialement au désir et se dirige vers sa perte. Des dizaines de symboles différents peuplent cet espace oppressif et angoissant oú la folie reigne sur le monde.
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Le jardin des délices II (El Bosco)

Le jardin des iris à Horikiri (Utagawa Hiro)

Cette image fait partie d'une série dénommée, " Les cent vues les plus célèbres de l'Edo" réalisées entre 1856 et 1858, par le peintre japonais de l'école Ukiyo-e ,Utagawa Hiroshige. Ce sont 139 images,qui ont pour sujet les paysages et les lieux emblématiques de l'Edo (Tokio), et elles sont agroupées suivant les saisons de l'année. Elles sont débordantes de sensibilité et de coloris, ce qui dévoile une grande force d'expression. Cette oeuvre est une image de l'été. On peut voir en premier plan, des iris à ras de terre,dont les fleurs s'ouvrent vers le ciel. Au japon,on associe cette fleur à la beauté féminine, ce qui se reflète par la représentation de plusieurs femmes dans le plan median du tableau.
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Le semeur (Van Gogh)

Van Gogh peignit Le Semeur (1888) à Arles, quand il vivait avec Gauguin.La silhouette du semeur s'insère dans les tons de la terre alors qu'au fond,un soleil jaune et éclatant domine la composition. Le coucher du soleil provoque une gamme de couleurs orangées tout autour, stimulant l'apparition d'ombres colorées, en tons bleus et mauves, qui nous rappellent l'impressionisme. Autour du soleil , il utilise des traits perpendiculaires au cercle pour obtenir une plus grande luminosité.
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Le vignoble rouge (Van Gogh)

Le Vignoble Rouge (1888) est le seul tableau que VAN GOGH vendit en vie. La peinture nous montre le moment de la vendange, au coucher du soleil automnal,qui enveloppe en tons rouges le vignoble. L'effet réaliste de l'image est incroyable, obtenu avec des coups de pinceau rapides et vibrants qui se distingent très bien.
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Les Alpilles (Van Gogh)

Les Alpilles (1889) font partie d'une chaine rocheuse que domine les plaines de la Provence. Elles sont charactéristiques grâce à ses gorges, ravins et roches de formes étranges. Van Gogh a peint ce tableau quand il était interne à Saint Rémy en Provence et le paysage des alentours l'a inspiré pour réaliser les nombreux tableaux peints à cette époque de sa vie.
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Les amies (Klimt)

Les Deux Amies (1916-1917) est un des multiples exemples d'art érotique et sensuel peints par Klimt. Les deux femmes se trouvent sur un premier plan, et elles dirigent leurs regards sensuels vers le spectateur; l'une est habillée avec una tunique ample rouge (la célèbre robe rouge qui est à l'origine de la libération des dames viennoises parce qu'elle élimine les corsets et élements oppressifs), l'autre simplement et sensuellement nue. Au fond, on observe une décoration animale voyante, qui nous rappelle les motifs japonais, très admirés par le peintre, qui accentue la composition, de même que les formes ondulées caractéristiques de l'Art Nouveau. La combinaison de couleurs vives accentue la sensation de sensualité.
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Les cueilleurs de pommes de terre (Van Gogh)

Cette importante oeuvre de Van Gogh de 1883, fut volée du musée des Beaux Arts d' Anvers en 1997, et récupérée peu après. Sa valeur estimée est aux alentours de 730.000 euros. Durant cette période Nuenen,le peintre montre de l'intérêt pour le monde rural, comme on peut aussi le constater avec ses oeuvres La Sieste, le Semeur, ou le Vignoble Rouge.
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Les grandes baigneuses (Cezanne)

Les Grandes Baigneuses est la dernière oeuvre de Paul Cézanne car elle a été peinte l'année de sa mort, en 1906. Elle est considérée postimpressioniste et elle fait partie d'une série de trois tableaux. Elle a été peinte en plusieurs versions et le peintre a nécéssité de 6 à 7 ans d'études préparatoires pour exprimer son oeuvre définitive. C'est une peinture figurative; au premier plan, nous apercevons des femmmes nues dans des positions naturelles, regardant vers un centre d'intérêt inéxistant ainsi que des arbres formant un triangle, les femmes sont intégrées dans la nature qui les entourent. Au second plan, le ciel, la rive d'en face et le plan d'eau. Grace aux formes géométriques et aux transitions de couleurs, l'artiste réussit un ensemble harmonieux qui s'approche déjà de l'abstraction.
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Les iris (Van Gogh)

Un des tableaux les plus célèbres du peintre hollandais, fut peint en 1889, pendant que Van Gogh était interne à l'asile de Saint Paul de Mausole, à Saint Rémy, en France. Inspiré par la nature qui l'entoure, il commence à peindre pendant sa première semaine d'internement. Le tableau reflète l'influence des oeuvres japonaises, un trait que nous retrouvons chez plusieurs artistes de l'époque.
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Les Ménines (Diego Velazquez)

Las Meninas est un des plus grands tableaux peints par Velazquez et aussi son chef d’oeuvre le plus connu, réalisé en 1656 dans la chambre du Prince de l’Alcázar à Madrid, lieu oú se déroule la scène. Velazquez crée una composition à la fois complexe et croyable, qui transmet una sensation de vie et de réalité avec un réseau dense de sens. Le personnage central est l’infante Margarita, assistée par doña María Agustina Sarmiento et doña Isabel de Velasco, meninas de la reine. On peut voir aussi Vélazquez travailler devant une grande toile, les nains Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, qui joue avec un mâtin, la dame d’honneur doña Marcela de Ulloa, et au fond, derrière la porte, José Nieto,un logeur. Au miroir, on voit reflétés les visages de Felipe IV y Mariana de Austria, parents de l’infante et témoins de la scène.
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Les parapluies (Renoir)

Cette oeuvre de Renoir fut réalisée en deux étapes différentes: le côté droit, qui correspond à la jeune mère accompagnée par ses deux filles, est peint selon le mouvement impressioniste, alors que le reste de la composition suit une technique dérivée de Cézanne. Il est possible que Renoir commença le tableau vers 1881-1882 , qu'il interrompe son travail et qu'il le reprenne plusieurs années après. Dû à ça, les différences entre les deux zones sont très prononcées. L'idée de représenter un grand nombre de personnes se promenant dans les rues de Paris un jour de pluie permet à Renoir de montrer sa compétence pour résoudre différents problèmes de perspective et de mouvement des masses.
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Les quatre danseuses (Degas)

Tout au long de 1898 et 1899, Degas réalisa trois peintures au pastel,cuadrados, pour représenter 4 danseuses qui attendent pour entrer en scène et font les dernières retouches de leurs robes et coiffures. On les différencent grâce à la coloration employée.Il nous montre à nouveau des danseuse qui ont l'air de se préparer pour entrer en scène, cependant il les a situées à la lisière d'un bois, au coucher du soleil.
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Les quatre tournesols (Van Gogh)

Le tournesol est une fleur très spéciale pour Van Gogh et apparait dans de nombreux tableaux de l'artiste.Il décora la maison jaune de Arles avec des panneaux de tournesols pour souhaiter la bienvenue à Gauguin.Malgré que la série la plus célèbre des tournesols de Van Gogh correspond à son séjour à Arles, pendant son séjour à Paris,il avait déjà réalisé plusieurs tableaux avec des tournesols, comme thème principal, entre aôut et septembre de 1887.
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Les serpents d'eau (Klimt)

Il est significatif que Klimt eut choisi les serpents comme titre de son oeuvre de 1904-1907, en l'associant à l'eau, deux éléments auxquels Freud attribuait un sens sexuel prononcé.Quatre languides femmes comblent la superficie, s'entrelaçant avec des enchevêtrements d'algues,et elles mêmes,embrouillées avec des masses de cheveux,symbole érotique par excellence. L'espace de la toile est pratiquement étouffé par le chevauchement d'un nombre incalculable de détails et Klimt utilise la technique du mosaïque, que nous retrouvons dans de nombreuses oeuvres du peintre.
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Les tournesols (Van Gogh)

Maisons à Auvers (Van Gogh)

Cette oeuvre de 1890 naît de son déplacement au village d'Auvers en 1890, après avoir abandonné l'asile de Saint-Rémy, lieu oú il fut interne un an dû à ses problèmes mentaux.A l'époque d'Auvers, le peintre hollandais se centre sur la représentation de paysages, thèmes rustiques y ruraux. Maisons à Auvers, est justement ça, la représentation d'un paysage rural. Concrètement, Van Gogh a peint una grange.Ses tableaux de cette étape, sont pleins de couleur et de traits qui ne reflètent pas de détails pour représenter un paysage reflet de la réalité; par contre, les champs de blé, les maisons et les arbres sont représentés avec des coups de pinceau rapides qui remplissent la composition de rythme et mouvement.
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Maisons à Ceret (Juan Gris)

Avec Maisons à Ceret (1913), Juan gris revient à la méthode de superposition de plans différents, en accentuant la distinction des couleurs des zones mises en rapport,oú il a opté pour la transparence des intersections. Ainsi, il obtient un effet de douceur harmonieuse et d'intégration ludique dans un espace non unitaire oú domine les transitions.
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Moulin de la Galette (Renoir)

Renoir avec le Bal au Moulin de la Galette, représente un bal à une guinguette du quartier populaire parisien de Montmartre: le Moulin de la Galette. Aux tables et sur la piste, il représente plusieurs amis, peintres aussi. Il fait appel à deux perspectives pour la scéne: le groupe en gros plan est une prise de vue d'en haut et le reste est une perspective frontale, réussissant un effet de multitude parfaite. La joie qui inonde la composition fait de cette oeuvre une des plus frappantes de Renoir, se convertissant ainsi en témoignage de la vie parisienne de la fin du 19º siècle.
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Ophelia (John Waterhouse)

Ophelia est un personnage fictif de l’oeuvre Hamlet de Shakespeare qui a inspiré de nombreux artistes prérrafaelites, entre autres John Waterhouse. Il a fait plusieurs versions, en 1889,1894 et 1910. Le T shirt reflète la version réalisée en 1894, la Jeune Fille est assise sur un tronc, elle a une longue chevelure rousse qui fait contraste avec sa peau blanche, ainsi que les coquelicots et les marguerites qui l’embellissent.
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Orana Maria (Gauguin)

Il a peint ce tableau en 1891, pendant son premier séjour à Tahiti. En apparence, on se croirait devant une toile de plus sur les indigènes que Gauguin avait l`habitude de peindre. Néanmoins, ce tableau représente L’Annonciation, dans l’ambiance de Tahiti. Deux femmes tahitiennes, en attitude de prière observent Marie et l’enfant Jésus, couronnés avec une auréole. Derrière, un ange à ailes. Marie se démarque par sa grandeur et sa couleur rouge. Les grands pieds et les visages marqués, font ressortir l’aspect primitif des personnages. Le paysage est exhubérant et riche en couleurs.
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Paysage avec oiseaux (Klee)

Paul Klee est né en 1879 à Münchembuchsee, en Suisse, fils de père allemand et de mère suisse, tous deux musiciens professionnels. Paul développe ses qualités de musicien et d’artiste jusqu’à l’ âge de 19 ans, quand il décide de se consacrer à la peinture à temps complet. Ses peintures à l’huile ET ses acuarelles invitent à exercer l’imagination pour trouver um sens à ses représentations. Dans Paysage avec des oiseaux jaunes, il y a des feuilles blanches, bleues ou violettes qui surgissent du néant entre des troncs verts effilochés, et des oiseaux jaunes, quelques uns même, suspendus à l’envers dans le ciel ou essayant fuir. Une fois de plus, nous pouvons apprécier que l’imagination de Klee ne connait pas de limites.
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Paysage avec paons (Gauguin)

Ce paisaje coloriste surgit de l’imagination féconde de Gauguin pendant son séjour en Polynésie. En premier plan, un homme travaille derrière des paons.Au fond, deux femmes se trouvent à coté d’une cabane. Des arbres énormes et une montagne multicolore complètent la composition presidée par des couleurs vives et arbitraires qui s’harmonisent parfaitement. Les personajes sont délimités par une ligne sombre, suivant la technique du cloisonné alors que les couleurs ont été apliquées pleinement, étant le peintre influencé par l’art japonais.
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Pêchant au printemps (Van Gogh)

Sur ce tableau de 1887, Van Gogh utilise un coup de pinceau ample, typiquement impressioniste et une tecnique pointilliste. Nous pouvons observer un pêcheur dans sa petite barque , au milieu de la Seine. A cette époque, le peintre vivait à Paris et il s’inspira des paysajes proches à la Seine pour peindre de nombreux tableaux. C’est certainement l’époque du peintre durant laquelle nous allons retrouver le plus de traits impressionistes de toute son oeuvre.
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Place Clichy (Renoir)

Ce tableau bien connu sur une ville de París contemporaine a été peint par Renoir durant la période pendant laquelle il séjournait Rue Saint Georges. Renoir réussit à diriger le regard du spectateur sur le visage de la jeune fille qui ressort sur la multitude vague de la partie arrière, comme si il voulait retenir dans le temps une expérience éphémère.
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Pont de Langlois (Van Gogh)

Aux alentours d'Arles, Van Gogh s'intéréssait aux ponts de bois de style hollandais qui traversaient le rhône. Le Pont de Langlois avec des femmes lavant est un de ses meilleurs exemples de ce souvenir de Van Gogh de son pays natal.Il emploie des tons vifs et gais(jaunes, bleus et verts)appliqués avec un coup de pinceau très cout, que l'on peut apprécier facilement sur la toile. La lumière du coucher du soleil printanier inonde la scène et les reflets sur le rhône, obtenus maintenant avec des tons clairs, démontrent le regard attentif de Van Gogh, préoccupé seulement de ce que ses yeux observent.
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Promenade sur la plage (Sorolla)

Promenade sur la Plage (1909) est un des tableaux les plus connus du peintre espagnol. Le style postimpressioniste espagnol se refléte dans la luminosité, la couleur et le mouvement que l’oeuvre transmet au spectateur. Il représente sa femme avec sa fille aînée, se promenant sur la plage de Valence.
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Quand tu te maries (Gauguin)

Gauguin a peint ce tableau en 1892, durant son premier séjour à Tahiti, oú il capte la beauté des paysages et des jeunes filles. Deux silhouettes sont assises sur le sol en gros plan, sur un fond simplifié avec des couleurs plates et vives. Ce sont deux femmes tahitiennes situées sur deux gros plans différents. La première est habillée avec un pareo aux couleurs traditionnelles et une chemise blanche et juste derrière elle, une femme vêtue avec un costume au style missionaire, fermé et rose. Le geste de sa main levée retient l'attention. Le fond de l'image a différents plans de couleurs vives et intenses qui insinuent le paysage lumineux tropical : le vert foncé de l'herbe de devant, la prairie dorée du centre et le bleu lointain des montagnes. La représentation a des influences japonaises qui plaisaient tellement à l'époque. Le titre fait parti du symbolisme qui se reflète en général.
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Ressac à Naruto (Utagawa Hiro)

Cette oeuvre de Utagawa Hiro fait partie d'une série dénommée "les vues les plus connues des 60 provinces"; ce sont 69 images qui représentent des paysages des 66 provinces du japon, ainsi que de Edo(Tokio) et des deux plus grandes îles.Le peintre utilice un format vertical avec de grands contrastes entre le fond et le premier plan, créant ainsi une sensation de profondeur.Ressac à Naruto, qui est considéré l'image la plus spectaculaire de la série, nous montre des tourbillons et des vagues qui se cassent contre les rochers du bord de mer du littoral de Awa.
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Sanctuaire Suijin (Utagawa Hiro)

Utagawa Hiroshige (1797-1858) fut un un des grands derniers artistes de l'école ukiyo-e. Il réinterprète la réalité selon une vue utopique du paysage et de la société de son époque.Un autre component du paysage chez Hiroshige est son aspect émouvant, puisque généralement il choisit des sujets et des lieux connus par le grand public, des endrois d'intérêt touristique, des temples et sanctuaires de dévotion populaire, des locaux de loisirs et jeux, des coins de la ville que les gens connaissent et estiment et qu'ils admirent sur les dessins du peintre,créant ainsi un lien entre l'image et la mémoire collective des spectateurs.
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Soleil Levant (Monet)

Le Soleil Levant est une image prise directement du naturel, par Monet, au port du Havre. Le tableau, malgré qu'il soit daté de 1872 fut certainement peint en 1873. Cette peinture, caractéristique de l'art de Monet, montre le brouillard du port au soleil levant. Le soleil est comme amorti par le brouillard créant de magnifiques reflets orangés sur la mer et dans le ciel. L'humidité domine la scène, les formes disparaissent presque entièrement, les couleurs sont appliquées par des coups de pinceau rapides, dont on apprécie le sens à première vue. Le résultat est une image attractive et saisissante. Il est conservé au Musée Marmottan Monet, à Paris.
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Sur la terrasse (Renoir)

A partir de 1880, Renoir se tourne vers les personnages comme protagonistes de ses compositions. Renoir a toujours été un grand portraitiste, comme il démontre sur ce tableau de 1881, òu il s'intéresse pour les visages de l'actrice avec le regard perdu et de la petite fille, qui regarde attentivement le spectateur. La lumière du soleil illumine complètement les personnages, sans faire d'ombres, comme l'image japonaise.
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Ta peinture (Tu pintor)

Pour certains articles de notre boutique, vous pouvez nous proposer votre peintre favori,ou bien votre propre création ou celle d'un ami. Dans ce cas, vous devez seulement nous faire parvenir l'image que vous désirez reproduire,à condition toujours d'être una création personnelle.
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Tokaido Shinagawa (Katsushika Hokusai)

Une nouvelle gravure de l'artiste de l'école Ukiyo-e, qui fait partie de la série du Mont Fuji, une obsession personnelle du peintre. On peut voir le Mont Fuji, à travers de la baie de Sagami, entre des collines pleines de cerisiers en fleurs.Comme c'est habituel dans ce genre, il représente des scènes de la vie quotidienne, et donc nous pouvons observer des samurais et des citoyens avec leurs enfants en pic pnic, se reposant ou se rafraichissant aux quiosques de thé.
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Un champ de blé avec cyprès (Van Gogh)

Peint à Saint-Rémy en Provence en 1889 pendant qu'il était interne à l'asile mental. Cette oeuvre fait partie de sa série "Champs de blé" , oú on retrouve à nouveau la force de la couleur jaune en contraste avec le bleu, en exprimant de cette façon la force de ses sentiments.
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Un paysage de Provence (Cezanne)

Pendant sa période impressioniste (Provence et Paris, 1870-1878), Cézanne se consacre principalement au paysage. A cette période, il vivait près du peintre impressioniste Pissarro, qui l'encouragea à abandonner les normes académiques, la palette sombre et les coups de pinceau pateux qui le caractérisaient. Dans Paysage de Provence, par contre, la façon de peindre de sa période antérieure subsiste, caractérisée par les couleurs sombres y un usage intense de la couleur noire.
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Un prunier en fleur (Van Gogh)

En automne de 1887, Van Gogh peignait une série de "japonaiseries", très à la mode à l'époque, inspirées des xilographies japonaises, entre autres celle du maître Hiro Okagawa. Le peintre était un grand collectionneur d'images japonaises depuis son séjour à Anvers et c'est un style qui va marquer une grande partie de ses tableaux. Le Prunier en Fleur est un exemple.
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Une armure pendant d'un arbre (Utagawa Hiro)

Utagawa hiroshige (1797-1858) fut un des grands derniers artistes de l'école ukiyo-e. Il réinterprète la réalité selon une vue utopique du paysage et de la société de son époque. Ce tableau fait partie de son oeuvre "Cent célèbres vues de Edo"; il représente un point de vue populaire de Edo bay, où selon la légende ,Minamoto Yoshiie pendit son armure à cet arbre en 1602. Hiro évoque la forme de l'arbre de telle façon que seulement un géant pourrait pendre son armure.
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Une femme avec éventail (Renoir)

Comme d'autres nombreuses peintures avec des jeunes femmes réalisées par Renoir, celle ci n'est pas facile à cataloguer.Le mannequin est Jeanne Samary, célèbre actrice de la Comédie française spécialisée dans le rôle de bonne coquette, que l'artiste a utilisé plusieurs fois entre 1877 et 1881 et de qui il a peint trois vrais portraits. En plus de l'éventail, l'espace intime et l'assimétrie de la composition dévoilent, que à cette période, Renoir testait les solutions pictoriques de l'art japonais. Malgré qu'il ne partageait pas la passion pour l'art de ce pays comme Degas ou Monet, il est certain que l'artiste fit une visite au pavillon japonais de L'exposition Universelle de Paris de 1878, et donc, ce lengage pictorique était présent dans son esprit quand il a peint ce tableau.
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Une femme portant des fruits (Gauguin)

Gauguin appartient au groupe de peintres du mouvement post-impressioniste, une sorte de prolongation de l'impressionisme.Gauguin déménagea à Tahiti, cherchant le paradis, les cultures primitives et l'art pur. Il décrit des scènes de la vie quotidienne de l'île avec des couleurs vives et des jeux de lumière irréels. Ce tableau est un clair exemple de cette technique.
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Une image avec bétail (Franz Marc)

Cette oeuvre de 1913 est un indicateur clair des tableaux de Franz Marc, peintre que fut un des grands représentants du mouvement expressioniste allemand.Habituellement, il représente des animaux. Ses oeuvres se caractérisent par ses couleurs primaires, ses formes cubiques, la simplification formelle et chromatique des choses, de la nature et des animaux.
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Une nuit étoilée sur le Rhône (Van Gogh)

C'est la première fois que Van Gogh consacre une oeuvre entière pour représenter la nuit. Le ciel occupe la moitié du tableau; l'obscurité de la nuit, la totalité de la superficie. La maison jaune où il habitait à Arles était située, à côté du Rhône, oú le fleuve tourne. C'est l'emplacement d'óu il peint le tableau. L'oeuvre est débordante de réalité, et, en même temps, de fantaisie et d'imagination. Les reflets des lumières sont réalistes et extrèmement beaux, brisés par les légères ondulations que la brise origine sur l'eau, ainsi que les tons du ciel et l'éclat des étoiles. Une fois de plus, Van Gogh fait des merveilles avec ses deux couleurs primaires favories : le bleu et le jaune.
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Une répétition de ballet sur scène (Degas)

Sur cette toile de 1874, Dégas se situe sur un côté de la scène du Théatre de l'Opéra pour nous montrer un moment de la répétition, probablement, quelques instants avant que le directeur donne l'ordre du début de séance, pendant que les danseuses étirent les muscles et échauffent individuellement.Cette fois ci, le peintre fait appel à une scène panoramique, sans couper aucun plan artistique. Les jeunes filles se succèdent en profondeur, et se distribuent d'une façon ordonnée dans tout l'espace. Pour ne rien laisser au hasard,Degas réalisera à peu près 20 études de figurines. La lumière employée est l'éclairage artificiel du théatre, et crée de forts contrastes entre les zones illuminées et les zones dans l'ombre.Avec cette peinture, il inaugure une série d' images sur les répétitions sur scène.
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Une vue de Tolède (El Greco)

C'est rare de trouver un paysage isolé dans les peintures espagnoles de la renaissance et même dans le barroque. L'apparition de cette Vue de Tolède consacre El greco comme le premier paysagiste de l'histoire de l'art espagnol. Quand quelqu'un voulait un tableau avec un paysage, il cherchait sur le marché italien ou flamand, où on trouve des exemples de paysages isolés. Ce qui fait encore plus importante cette oeuvre de El Greco. C'est un paysage qui fait assez appel à la fantaisie, malgré sa part de réalité. Les monuments les plus emblématiques de Tolède ressortent et l'aridité du terrain a été remplacée par un vert plus caractéristique du nord de l'Espagne.. Les tons verts, bleus et gris donnent un aspect dramatique à la scène créée par un orage, et soulignent la grandeur de la ville.
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Violon et gravure (Juan Gris)

Juan Gris a des oeuvres similaires, dans lesquelles il incorpore des matériaux dont la présence persiste, au lieu d’un papier imitation bois ou d’un bout de papier peint destinés à représenter la matérialité d’une chose différente. “Violon et gravure accrochée” de 1913 en est un exemple, il est actuellement au musée d’Art Moderne de New York. Comme indiqué dans le titre de l’oeuvre, Gris incorpore une gravure accrochée au mur.
Au vendre, imprimés avec cette peintre:
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Violon et guitare (Juan Gris)

Le tableau Le violon et la Guitarre (1913) de Juan gris , qui est exposé au Musée National d'Art Reina Sofia de Madrid, est une peinture à l'huile sur toile qui constitue un clair indicateur du cubisme pratiqué par l'artiste pendant son séjour à Céret et qui se transformera vite en collage.
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